Як знімати кліпи для відомих акторів. Правила професії від режисера Тараса Голубкова

Тарас Голубков – український режисер, якого ви могли знати з кліпів для MONATIK, “Скрябіна”, Артема Пивоварова, Melovin або FoSho. Свого часу розпочинав свій шлях із Художньої академії як ілюстратор, а сьогодні його роботи набирають до 80 мільйонів переглядів. 

30 вересня виповнюється 7 років з дати прем’єри першого музичного кліпу Тараса та початку кар’єри кліпмейкера. Спеціально для Marie Claire до професійної річниці розпитали режисера про його сім основних правил роботи з поп-артистами. 

З FOSHO

1. Створюйте сценарій кліпу лише після знайомства з артистом та його музикою

Для мене завжди важливим є артист. Це стосується роботи з будь-яким виконавцем – початківцем або топовим, дебютантом або тим, кому потрібний ребрендинг.

Артист для мене – це ядро ​​не тільки в рамках кліпу, а ще й усієї дії, настрою та енергії. Навіть якщо він не з’являється у самому кліпі. Основна ідея та концепція створюється лише тоді, коли я особисто впізнаю автора. Особливо це стосується топових артистів з історією або коли ми робимо ребрендинг. У будь-якому випадку йде зіткнення з почерком виконавця, його вайбом і тим, що він транслює. У таких випадках дуже важливим є особисте спілкування.

Ми всі змінюємося – сьогодні одні, а завтра інші і вкрай важливо перед запуском роботи розуміти, чим людина живе, чим дихає, чого хоче і який у нього настрій та плани на майбутнє.

Читайте також: САША САМСОНОВА ПРО СПІВПРАЦЮ З СЕСТРАМИ КАРДАШ’ЯН, БАЧЕННЯ КРАСИ І МРІЇ ЗНЯТИ ФІЛЬМ

Тому завжди, коли починаю писати сценарій та креативити, користуюсь своїм першим правилом та знайомлюся з артистом. Мені треба поспілкуватися з людиною, вловити її настрій, обмінятися референсами. 

Відштовхуючись від цього, я пропонуватиму свої варіанти сценарію, що ж це може бути і як виглядати.

Наступний фактор, від якого я відштовхуюсь у своїх ідеях та сценаріях – це музика артиста. Я ніколи не використовую ідеї або концепції із заготовок чи шаблонів. Мене часто про це запитують, але я зрозумів, що такого принципу слідувати просто не можу. Мені обов’язково треба відчути саму людину та її творчість, а потім вигадувати ідею. Інакше це перетворюється просто на математику. 

На зйомках кліпу «Дежавю/Поклич» Артема Пивоварова

2. Заразіть артиста ідеєю 

Дуже важливо “заразити” артиста своєю ідеєю. Потрапити йому прямо у серце.

Потрібно дуже ретельно готуватися до цього процесу, набратися терпіння і занурити людину у вашу атмосферу, дуже детально розповівши про процес, вашу концепцію та ідею. Артисти – це завжди творчі люди, які займаються ідеями. Вам потрібно так зачепити їх своїми роботами та концепціями, щоб вони закохалися у них. 

3. Пишіть власні сценарії

Я прихильник того, щоб працювати за своїми сценаріями та ідеями. Це не означає, що я абсолютно не слухаю артиста та не враховую його бажань. Зовсім ні, ми завжди в діалозі з артистом і він будь-якої миті може висловити свої побажання та пропозиції. Але якщо говорити рекламною мовою – я працюю з брифу. Бриф дуже потрібний і корисний. Бриф “робіть що хочете” – це теж бриф.

Мені складно працювати за готовими сценаріями, де розписана кожна хвилина та дія, кожен спецефект та костюми для балету. Тому що, коли я не можу відчути всі нюанси, я ризикую не втілити ідею в життя так, як бачила це інша людина. Для мене важливим правилом є те, щоб робота була виконана саме за моїм сценарієм щодо того брифа, який мені дають.

На зйомках кліпу для FOSHO

4. Хореографія та синхрони – у першій половині зйомки

Я раджу завжди намагатися знімати хореографію у першій половині зйомки. 

Я розумію, що це не завжди виходить з урахуванням таймінгу, світла та локацій. Але це моя рекомендація – хоча б більшу частину хореографії знімати у першій половині знімального процесу.

Якщо є важливі синхрони, де передбачаються великі плани артиста, коли він співає – їх теж потрібно зняти в першій половині зйомок. Не варто залишати такі матеріали на другу половину чи кінець робочого процесу. Ми всі люди і все втомлюємося, тому краще знімати цю частину кліпу на самому початку.

Читайте також: АЛАН БАДОЄВ ВІД «А» ДО «Я»

На зйомках кліпу SLEZA «Проблема»

5. Будьте точно впевнені у кожній своїй сцені 

п’яте правило стосується сценарію – я повинен чітко бути в собі впевнений у кожній сцені. Процес відбору поділяється на дві частини: етап написання сценарію та етап розкадрування. 

Спочатку ти розглядаєш історію у тих сцен, через яку ти її розповідаєш. Чи всі потрібні сцени? Чи правильно всі розказані? Чи всі досить яскраві та потрібні з режисерської точки зору? Потрібно відразу відповісти на ці питання і максимально відсікти зайве, ніж знімати все підряд, а потім на етапі монтажу викинути.

На етапі розкадровки ми історію ілюструємо та переводимо у кадри, ракурси, розуміємо, як саме це буде виглядати. На цьому етапі ти розумієш хронометраж і чи поміститься твій візуальний ряд у трек. Можливо, якусь сцену можна показати одним кадром, а не трьома, як замислювався. Можна навіть брати намальовані кадри та спробувати збирати їх у відеоряд під музику. Це теж дає зразкове розуміння. На другому етапі ти ще раз перевіряєш себе по сценах, чи всі вони потрібні з режисерської точки зору. Чи ця сцена розповідає твою історію. Чи яскрава вона? Чи має вона право залишатися у відеоряді? Якщо такі питання чи сумніви все ж таки залишилися, то будьте готові до НП на майданчику. У вас не повинно бути фраз “подивимося, чи встигатимемо” або “вирішимо на майданчику”. Всі питання потрібно вирішувати “на березі” на етапі розкадровки, коли ви з оператором і з усією командою пройдетеся по точках, де все відбуватиметься. Ви можете імпровізувати, але коли ви маєте чітко сплановану основну історію і ви можете дозволити собі експеримент, до якого всі готові. Це не екстрена ситуація. А екстрені ситуації виникають, коли ви відкладаєте ухвалення рішень на потім.

6. Деталізуйте сценарій

Навіть найабстрактніший сценарій я намагаюся зробити максимально деталізованим. Потрібно зафіксувати всю основу до початку зйомок. 

Якщо це хореографія – максимально опрацювати всі рухи на репетиціях, зробити розкадровку з оператором. 

Звичайно, потрібно залишати місце для спонтанних рішень, адже майданчик завжди диктує свої правила. Іноді можна представляти зйомку по-своєму, а насправді в кадрі це виглядає зовсім інакше. Тоді ми намагаємося знайти максимально візуально-вигідне рішення вже на місці.

Читайте також: КУЛЬТУРНИЙ КОД РЕЖИСЕРА ГЕРМАНА НЕНОВА

Щоб вся робота була злагодженою, я спочатку описую картину дій і кожного члена команди посвячую в курс справи. Таким чином команда поглиблюється в процес дедалі більше і має найкраще уявлення про проект та фінальну картину. 

Розкадровка завжди дає предметніше розуміння речей, з її допомогою людям легше орієнтуватися. Це можна порівняти з пересуванням містом: коли ти знаєш вулиці міста – ти швидше доїдеш до потрібного місця, але не знаючи всіх доріг, ти почнеш петляти, а шлях стане набагато довшим.

7. Будьте вимогливими

Потрібно бути вимогливим до себе, продукту, який ви виробляєте і до команди, з якою працюєте. Тоді люди у команді відчуватимуть це. 

Як правило, топ-артисти максимально вимогливі, потрібно це приймати та розуміти. Вам віддають трек, в який вкладено багато сил. Автор передає вам свою творчість. Варто вести проект так, ніби ти знімаєш кліп для себе. Вибагливість має бути до всього: починаючи від ідеї та локацій, закінчуючи дедлайнами. Як тільки артист бачить, що ви теж живете в такому підході, то відразу це відчуває і починає довіряти вам. Якщо цього немає, то можуть виникати якісь конфліктні ситуації, непорозуміння тощо. Саме тому потрібно звести до звички відповідальність до процесу та роботу на максимум.