Современные женщины-художницы, которые поднимают социально значимые темы

Мыло, iPad, видео и перфомансы… Современные artists ищут новые, порой, неожиданные выразительные средства для того, чтобы создать образы и обратить внимание общества на острые социальные проблемы. Искусствовед Анна Коршун знакомит нас с пятью женщинами-художницами и их работами, которые впечатляют как форматом, так и глубиной проблематики. 

Карин Шнайдер и ее работа H(AR/BP+C)(Marsupial)

Карин Шнайдер родилась в 1970 в Бразилии. С 1996 живет и работает в Нью-Йорке, где сразу после переезда с компаньоном и художником Николасом Гуаньини создали экспериментальную кинокомпанию Union Gaucha Productions. Выставки Карин всегда содержат элемент непредсказуемости и глубокое, подчас многослойное содержание. Например, на одной из выставок художница установила свои живописные работы как экраны по залу и транслировала на картины видеоматериалы.

Работа Карин Шнайдер H(AR/BP+C)(Marsupial) является частью серии Situational Diagrams («Ситуационные диаграммы»). Серия состоит из скульптурных инсталляций, экспериментальных фильмов и картин, в которых она применяет и совершенствует различные художественные техники.

В этой работе художница соединила природные материалы и технологии: керамическая подставка, монохромная черная картина и iPad, на котором транслируется слово «SHE».

Карин Шнайдер исследовала различные аспекты черного монохрома: экономический, социальный, культурный и исторический.  Она создает прямую отсылку к работам американского художника-авангардиста Эда Рейнхарда, который почти за 20 лет до рождения Карин создал концептуальную серию черных полотен и сформулировал в своих теоретических работах «12 правил для новой Академии»:

Никакого подтекста. Никакой работы кистью или каллиграфии. Никаких эскизов или рисунка. Никаких форм. Никаких цветов. Никакого света. Никакого пространства. Никакого времени. Никакого формата и никаких пропорций. Никакого движения, никаких предметов и никакой темы.

Создавая вариации на работы Эда Рейнхарда, Карин поднимает целый ряд тем. Произнося слово «SHE» и назвав свою работу в честь млекопитающих, которые вынашивают детей в брюшных сумках, Шнайдер оспаривает или даже в некой степени иронизирует над подчас чрезмерной интеллектуальностью, затеоретизированностью американского абстрактного жанра. Карин напоминает зрителю о том, что женское начало – это основа всех основ. Художница в противовес богемности искусства ставит простоту и совершенство процессов в животном мире. 

Читайте также: МОДА КАК ИНСТРУМЕНТ СОВРЕМЕННЫХ ХУДОЖНИКОВ

carvedtoflow.com

Отобонг Нканга и ее Carved to Flow

Отобонг Нканга – художница нигерийского происхождения, живет и работает в Антверпене (Бельгия). Знаменита своими перфомансами, арт-объектами, рисунками и фотографией.

Carved to Flow («Вырезано для течения) — это скульптурная инсталляция, перформанс, исследовательский и производственный проект. Работа над проектом началась в Афинах (Греция) и позже была представлена публике в Касселе (Германия), как часть масштабной выставки Documenta-14. Documenta — это некоммерческая выставка современного искусства, которая проходит раз в 5 лет в Германии. На время проведения выставки маленький немецкий городок превращается в арт-площадку под открытым небом.

Во времена выставки «Документы 14» куски мыла были представлены в виде шестиугольных башен и блоков в трех локациях в Касселе, отображая одновременно минималистскую эстетику и руины. Мыло распространялось во время перформансов. Актеры надевали специальные сумки для распространения мыла разработанные Нканга, и актеры выглядели как торговцы контрафактных сумок и часов, которыми были, как правило, нелегальные иммигранты из Африки. Мыло продавалось по 20 евро и все вырученные средства были направлены в благотворительную организацию в Нигерии.

Инсталляции из мыла, процесс его создания и перфомансы, во время которых актеры распространяли мыло среди публики – все это стало не только творческим проектом О. Нканга, но и ярким призывом к пересмотру существующих неравноправных, часто дискриминационных отношений между развитыми и развивающимися странами. Художница напоминает своей работой о том, что человечеству необходимо развивать модель экономики замкнутого цикла (circular economy), которая позволяет минимизировать негативный эффект производства товаров и услуг на окружающую среду. Возобновление ресурсов, переработка вторичного сырья, рациональность использования ресурсов – все это в фокусе О. Нканга.  

Хито Штайрель и ее Factory of The Sun (Фабрика Солнца)

Хито Штайрель живет и работает в Берлине, она кинорежиссер, писатель и преподаватель искусства перформанса. Работы Хито Штайрель зачастую поднимают такие темы, как визуальная культура и политика социальной жизни в 21 веке (например, вопросы реальности в диджитализированном мире и др.).

«Фабрика Солнца» — это иммерсионная видео-инсталляция, транслирующая 23-х минутный документальный фильм, сводку новостей, тьюториал по компьютерной игре и интернет-соревнование по танцам. Экран расположен в затемненной комнате, по периметру которой наложена сетка из голубого флуоресцентного света. Зрители, находясь в шезлонгах, погружаются в стилистику фильма «Трон» (1982 г). 

В основе сюжета «Фабрики Солнца» лежит история о том, что сотрудники киностудий производят искусственную солнечную энергию для обеспечения жизнедеятельности новой диджитал-реальности. Эта энергия вырабатывается благодаря тому, что их каждое движение отслеживается, записывается и конвертируются специальной машиной в искусственный источник электричества. Картина состоит из нарезки изображений и звуков, которые переплетаются с объявлениями Дойтче Банка о продвижении их программы об усилении скорости света; а также в работу включены нарезка из фейковых новостей об акциях протеста против проекта Дойтче Банка дронами; и кадры документирующие массовые протесты в реальной жизни.

«Фабрика Солнца» представляет собой пародию на взаимодействие современного мира и высоких технологий, наблюдения за людьми и нарушение границ личного пространства и свободы, а также безконтрольно-подконтрольный круговорот изображений и информации в современном мире. На создание этой работы Хито Штайрель вдохновилась афористичной цитатой основоположницы киберфеминизма Донны Харауэй из «Манифеста Киборгов»: 

Наши лучшие машины созданы из солнечного света; они легкие и чистые, потому что они всего лишь сигналы.

Используя компьютерные игры, как основу для своего произведения, и создавая фантазии на тему технологически-сфабрикованной природы и виртуальных обществ, художница побуждает задуматься о связи между потоками информации в диджитал-мире, невидимыми потоками капитала, и вынужденной мобильностью человека в начале 21 века.

Читайте также: СВЕТ И ПРОСТРАНСТВО: КАК КАЛИФОРНИЙСКИЕ ХУДОЖНИКИ СОЗДАЮТ У ЗРИТЕЛЯ ОЩУЩЕНИЕ ПАРАДОКСА

Цао Фэй и ее Shadow life (Жизнь теней)

Одна из самых знаменитых художниц материкового Китая на сегодняшний день. Цао Фей использует мультимедийные инсталляции, видео, и широкоформатные фотографии для своего творчества, в котором происходит слияние реальности и фантазии. Художница применяет современные технологий и исследует социальные ритуалы, создавая для зрителя авторское видение коллективной реальности в пост-Мао Китае.

Фэй, как бы играясь со старомодным форматом медиа изображений и аналоговыми технологиями, создала «Жизнь Теней». В основе видеоработы лежит игра теней — давнейшая форма повествования в китайской народной культуре. При помощи компиляция ранних кинематографических методов съемки, таких как использование теней и анимации, эта работа представляет собой набор последовательных темных силуэтов рук и других частей тела кукловодов на фоне белого экрана, и она состоит из трех сцен, представляющих зрителю переломные моменты в истории Китая.

Первая сцена этой работы называется The Rock («Скала») и в ней представляется зрителю идеалистичная картина мира, населенного птицами и слонами, жестоким охотником и слепым мужчиной. Их взаимодействие приводит к тому, что вера творит чудеса. И все это сопровождается современной электронной вариацией на тему народной китайской музыки.

Во второй сцене Dictator («Диктатор») оживают анимированные воспоминания о политических реалиях прошлого Китая и появляется машущие руки и изображения Маленькой Красной Книги Мао на фоне танков, фабрик и строительных кранов. Эти сцены китайской послевоенной индустриализации и большие скопления народа сливаются с ритмом маршей, которые были популярны в нацистской Германии. Таким образом Фэй размывает и одновременно объединяет в единое целое диктатуру, независимо от геолокации, а также напоминает о разрушительной силе подобных явлений.

В третей сцене Transmigration («Трансмиграция») показано, как быстро урбанизация поглощает страну и уничтожает деревни. Они представлены в этой работе как потерянный рай, исчезающий под ковшами экскаваторов. Все это происходит под аккомпанемент песни Опера №2 — хита Витаса 2001 года, но в этом случае в исполнении китаянки.

Shadow life — оживляющая и ужасающая басня, созданная подвижной и беспокойной работой рук, — оживленная история беспрерывного преобразования тел и мест в Китае. Располагая старые и новые образы и звуки с помощью устаревшей формы создания изображений, работа Цао представляет калейдоскопический взгляд на жизненный опыт во времени и пространстве для преобразования и исчезновения коллективной памяти.

Мона Хатум и ее Impenetrable(Непроницаемый)

Мона Хатум родилась в Бейруте, с 1975 г живет и работает в Лондоне. В своем творчестве она исследует множество вопросов, опыт и влияние перемещения, переезда и изгнания индивидуума — один из них.

Большой куб, кажется, неподвижно висит в воздухе, — инсталляция Моны Хатум состоит из стальной колючей проволоки, подвешенной к потолку на прозрачных специальных нитях. Эта работа создает иллюзию изысканного, но зловещего пространства предполагаемого насилия.

Стальной куб отсылает к абстрактным объектам минималистских и конструктивистских направлений искусства, но его колючий материал подрывает эстетическую привлекательность. Стальная колючая проволока — материал, напоминающий о тюрьмах, трудовых лагерях, военных учреждениях, национальных границах.

Куб также перекликается с архитектурным и институциональным окружением произведения — белым стерильным пространством художественной галереи. Хатум подчеркивает хрупкость и пустоту пространственных форм и указывает на способность повседневных объектов изменять значение и, таким образом, дезориентировать зрителя. Скульптура Хатум является одновременно и данью уважения, и ре-интерпретацией серии «Penetrables», 1971 (Проницаемый) Джесуса Рафаэля Сото. В отличие венесуэльского художника  и его приглашения к взаимодействию со своим произведением искусства, «Непроницаемый» отрицает саму идею взаимодействия: это безопасная и в тоже время отталкивающая структура, которая защищает себя и угрожает безопасности зрителя.

«Непроницаемый» — это синергия формальных особенностей, материалов и концептуальных нитей. Цикличное движение назад и вперед между вводящими в заблуждение явлениями, подмененными понятиями и конфликтными позициями — все это отражает ответ М. Хатум на геополитическую ситуацию. Эта работа представляет собой красноречивую и мощную аллегорию о неопределенности и повсеместной агрессии — политической и социальной в начале 21 века.

Анна Коршун (Christie’s Education New York, член Tate North American Acquisition Commitee), экспертно-коммуникационная группа «Импульс» и команда Marie Claire Ukraine готовят для читателей специальную серию публикаций о современном искусстве.